28 апреля

«О подвигах, о доблести, о славе…»

Тематический материал для самостоятельного изучения

Есть в истории народа события, которые невозможно забыть…. Они внедряются в генетический код и звучат в ритме сердца. Таким событием стала для нашей страны Великая Отечественная Война 1941-1945 гг. Беда пришла на нашу землю, мирную, развивающуюся, полную надежд. Враг напал вероломно, страшно, поправ всё самое светлое и дорогое, что есть в сердце каждого человека. Все: молодые и старые, мужчины и женщины, школьники-подростки – вся страна встала на защиту своего дорогого отечества! Не найти ни одной семьи, которой бы не коснулась эта страшная трагедия...

Подвигом был каждый день, каждый час, каждый шаг, шаг через боль, страх, страдание во имя мира, во имя будущей жизни, во имя светлых идеалов добра и счастья. Люди отдали свои жизни для того, чтобы потомки могли жить, радоваться и строить счастливое будущее для следующих поколений. Подвиг народа, ценой невероятных жертв одержавшего победу над фашизмом, был воспет многими художниками того времени. Воспет и увековечен для потомков, которые будут жить, не зная войны. Эта память даёт силы быть достойными их подвига, бороться за мир во всём мире. И в поэзии, и в музыке, и в изобразительном искусстве отразилась война.

Очень подходящим оказался жанр реквиема. Он трансформировался из церковной заупокойной мессы в патриотическую ораторию, посвящённую памяти погибших героев.

Жанр стал использоваться не только в музыке, но и в поэзии, и в изобразительном искусстве. Поэт Роберт Рождественский, который во время войны был ребёнком, в 1960 году написал поэму, назвав её «Реквиемом», и посвятил её «Памяти наших отцов и старших братьев, памяти вечно молодых солдат и офицеров Советской Армии, павших на фронтах Великой Отечественной войны». Поэма эта – не просто дань уважения погибшим, она написана болью и кровью сердца и глубоко волнует каждого, кто слышит её. Нет человека, кто мог бы слушать её без слёз.

Идея создания реквиема по погибшим героям войны родилась у Роберта Рождественского и композитора Дмитрия Кабалевского, который хотел увековечить подвиг народа в крупном музыкальном произведении. Имя Дмитрия Борисовича Кабалевского широко известно в мире искусства советского периода. Будучи талантливым композитором, педагогом и общественным деятелем, он широко пропагандировал музыкальное искусство, затрагивая актуальные вопросы современности. Большое значение композитор придавал музыкальному воспитанию подрастающего поколения, на детей он возлагал большие надежды, ведь дети – будущее страны, будущее народа. Результатом его работы стала программа по музыке для общеобразовательных школ, на которую до сих пор опираются музыкальные педагоги.

Дети становятся в «Реквиеме» Рождественского и Кабалевского выражением надежды, светлого будущего, радости жизни. Часть кантаты «Наши дети» исполняется детским хором, это песня – клятва павшим быть достойным их подвига и их памяти и песнь, полная оптимизма, надежды и солнечного света.

Всего в оратории десять частей, построена она на принципе контраста, как и в традиционном реквиеме, исполняется сочинение так же традиционно оркестром, хором и солистами. Несмотря на то, что «Реквием» Дмитрия Кабалевского не является церковным произведением, в нём есть молитва. Такова часть «Я не умру». Это обращение воина к природе, частью которой он является, к силам судьбы, это надежда успеть допеть свою песню и испить чашу до дна. Образ чаши страдания перекликается с историей страданий Иисуса Христа.

Бесконечное горе, которое пережила страна, мы слышим в части «Сердце матери». Это плач, безутешное горе матери, потерявшей на войне самое дорогое – своего сына. «Не могу найти дороженьки, чтоб заплакать над могилою. Не хочу я ничегошеньки, только сына милого». Так и Родина-мать оплакивает своих сыновей.

Образ Родины предстаёт перед слушателями во второй части «Реквиема».

Самое лучшее и дорогое – Родина.

Горе твоё – это наше горе, Родина.

Правда твоя – это наша правда, Родина.

Слава твоя – это наша слава, Родина! 

Судьба Родины – это судьба каждого человека, в трагические моменты истории это единство особенно сильно, не было другого выбора у наших дедов и прадедов, корме как встать на защиту своего отечества.

Решимость, мужество, доблесть и готовность пройти через огонь и ужас, отдать жизнь, защищая свой дом, звучит в маршевом ритме части «Поступь дивизий». В этой части впервые звучит слово «Победа!». И как итог – память! Память будущих поколений о том, какой ценой была завоёвана Победа! Память, почтение и бесконечная благодарность за возможность жить в мире, не знающем войны. Эта память обязывает потомков быть достойными её и идти в будущее со светлыми идеалами добра и мира.

Заключительная часть «Реквиема» – «Помните!». «Убейте войну, прокляните войну!» – призыв ко всем людям будущего, рождённый памятью подвига павших.

«Реквием» написан о погибших, но посвящен живым. Он рассказывает о смерти, но воспевает жизнь, рожден войной, но всем своим существом устремлен к миру.

Поэма Роберта Рождественского нашла отклик и в сердце литовского художника-графика, друга поэта Стасиса Красаускаса. Он проиллюстрировал поэму «Реквием», создав контрастом двух цветов образы жизни и смерти, мира и войны, горя и радости. Позже на основе этих иллюстраций, художник создаст цикл из 35 гравюр «Вечно живые», воплотившие жанр реквиема в изобразительном искусстве.

Композитор Д. Б. Кабалевский закончил работу над «Реквиемом» в 1963 году и был удостоен за его создание государственной премии имени М. И. Глинки.

Стасис Альгирдо Красаускас создавал в различных техниках гравюры и иллюстрации к литературным произведениям. Сама техника гравюры, основанная на контрасте чёрного и белого цветов, определяет лаконичность стиля и метафоричность образов произведений художника.

Проиллюстрировав в 1961 году поэму Роберта Рождественского «Реквием», художник, вдохновляясь вновь и вновь этими пронзительными стихами, создал к 1975 году целый цикл из 35 гравюр «Вечно живые», выходящий за рамки иллюстраций к поэме, став отдельным художественным произведением. Прообразом и композиционным ключом к циклу стала фреска неизвестного художника на фасаде кирхи в Зеленополье (Калининградская область), посвящённая жертвам первой мировой войны. В основе композиции – два плана: фигура погибшего воина внизу и картины мирной жизни в верхней части. Такое построение композиции служит напоминанием о тех, кто отдал свою жизнь во имя счастья детей и внуков. Из их смерти, рождается новая жизнь, а память о них является залогом сохранения мира. «Борьба». «Память». «Грёзы». «Жизнь» – таковы названия частей цикла «Вечно живые».

Сам художник писал о своём произведении: «Никогда не позабудет мир подвига Советского Воина. Он сражался, пал и остался с нами, как напоминание о великом нашем долге перед Родиной, Прогрессом, Человеком. Ему, Вечно живому, и посвящаю этот свой цикл».

Домашнее задание: написать названия наиболее известных военных песен (не менее 10)

Присылать мне на ватсап (89234228218).

14 апреля

Тема: Музыка на мольберте. Композитор – художник.

Каким образом музыка и живопись передают одни и те же явления? (музыка – в звуках, живопись – красками).

- Родился Чюрлёнис на юге Литвы в Варене 22 сентября 1875 года. Детские годы  прошли в живописнейшей местности Друскининкай, где отец служил органистом  в костёле. Первые уроки музыки Чюрлёнис получает от отца, и к семи годам свободно  музицирует. С детских лет он глубоко чувствует красоту литовской природы, полную нежных красок, все её разнообразные оттенки. В восемнадцать лет Чюрлёнис поступает в консерваторию в Варшаве, учится по классу композиции и фортепиано, оканчивает с отличием в 1899 году.

Симфоническая поэма «В лесу» (1901г.) – первое большое сочинение. По жанру это пейзажная картина, лирической темой которой является жизнь литовской природы.

В 1901 году Чюрлёнис поступает в Лейпцигскую консерваторию. В эти годы сочиняет полифонические пьесы, начинает заниматься живописью. Переход к живописи произошел у Чюрлёниса в силу творческих склонностей, проявлявшихся в ранней юности. Он был одинаково способным к музыке, к живописи и выражал себя в разное время с разной интенсивностью в этих областях.

Первые картины написаны в 1903 году – «Музыка леса», триптих «Рекс». Картина «Музыка леса» напоминает нам о симфонической поэме «В лесу». Образы картины рождены простейшими литературно-поэтическими сравнениями: шум в лесу – музыка; прямые стволы сосен – струны; летящий мимо деревьев ветер – музыкант, который колеблет звучащие струны.

В начале 20-го века утверждался принцип взаимопроникновения и взаимодействия искусств, стала характерной тенденция к расширению традиционно замкнутых границ видов и жанров. В 1904 году в Варшаве открывается Школа изящных искусств, куда и поступает Чюрлёнис. Преподавание в школе резко отличалось от принятых академических традиций. Учащимся предлагалось заниматься не столько детализацией изображения, сколько передачей настроения, характера, движения живой натуры.

Путешествие на Кавказ принесло художнику много новых впечатлений и дало толчок его художественному сознанию. Чюрлёнис часами сидел у моря и рисовал. Результатом стали симфоническая поэма «Море» и циклы картин «Сотворение мира», «Знаки Зодиака». В этот период композитор пишет фортепианные пьесы, записывает и обрабатывает литовские народные мелодии. В Вильнюсе и Каунасе выставляются картины Чюрлёниса, среди них циклы, посвященные временам года («Весна», «Лето», «Осень») и первые живописные сонаты – «Соната Солнца», «Соната Весны». В 1909 году художник переезжает в Петербург, становится участником выставок, получает признание среди авторитетных искусствоведов того времени, как огромный, оригинальный талант. 10 апреля тяжелая болезнь сводит в могилу выдающегося художника и музыканта, не дожившего до 35 лет.

После кончины художника устраиваются выставки его работ в Москве, Вильнюсе, Петербурге; его картины выставляются на второй международной выставке импрессионистов в Лондоне. На концертах начинают играть его музыку, о нем пишут статьи и книги.

 Работа по картинам.

- Чюрлёнис глубже, чем кто-либо другой, чувствовал музыку в природе, и поэтому ритмический, симфонический и вообще музыкальный момент выражен в его картинах с большим мастерством и силой. В своё время много было сказано и написано о том, что художник своими картинами хотел выразить музыку, а красками стремился передать музыкальные звуки.  

          Через всю картину проходят светлые, гармоничные тона. Искусствовед Генрих Альтшуллер так рассказывает о картине М.К.Чюрлёниса: «На первой картине, на одном пространстве – три картины. Первая – вид на побережье с высоты птичьего полета; виден берег, видны дальние холмы, деревья на этих холмах – очень маленькие с большой высоты. Вторая – глазами человека, зашедшего у берега в воду; на расстоянии вытянутой руки – волны, тени птиц, силуэты рыб, плавающих у побережья. Это совсем другой взгляд на тот же участок моря и берега. И третья картина – подсистемы моря. Море состоит из капелек, и по всей картине идут желтые капли моря.

Картина, особенно не на репродукции, а в натуре, она потрясающа. Система обладает свойствами, которые не имеют ее части. Вроде, все просто в отдельности, а результат магический, чарующий. Меня удивило, почему капельки желтые. Потом в Каунасе я общался с музыковедами, литературоведами, художниками, и неизменно задавал этот вопрос. «Знаете, балтийское побережье – это янтарное побережье, это от янтаря».

Вторая картина «Сонаты моря» - «Анданте».

Картина пронизана мягким сиянием двух солнечных светил. Они, как две манящие звезды, приковывают к себе внимание зрителя. В центре картины – затонувший корабль на ладони морского царя. Состояние покоя художник передает пастельными красками.

Третья картина «Сонаты моря» - «Финал».

Вздымающаяся огромная волна развернута как гигантская пасть какого-то чудовища. Чюрлёнис заставил ее как бы окаменеть. Он заставил окаменеть и пену. И получился новый художественный эффект: не пенные когти, а тяжелые, грубые, гигантские куски застывшей лавы сейчас обрушатся на человека. У подножия громадной волны – маленькие кораблики. На фоне волны видны четкие инициалы художника: «М К», как символ победы человека и творца над силами природы.

                                                                              ♪ М.Чюрлёнис симфоническая поэма «Море»

Чюрлёнис показывает море как организм, в котором есть своя жизнь. Обратите внимание, какие цвета используются в передаче картины? (желтые, коричневые.) Здесь почти нет голубого и синего цветов. Знаете почему? Потому что море, которое отразил Чюрленис – это Балтийское море, богатое янтарем, поэтому оно такое желтое.

Домашнее задание: прослушать симфоническую поэму Чюрлёнис «Море» и нарисовать к ней рисунок до 27.04.2020. Присылать мне на ватсап (89234228218).